Un an d’aquarelles fleuries

Après un an d’aquarelles fleuries, j’ai découvert de nouvelles manières d’utiliser ce médium, plus modernes que ce que je connaissais déjà. Cela m’a vraiment inspirée. Peu après cette découverte, je suis tombée nez à nez avec les cours vidéos et l’aventure a vraiment commencée.

Je me suis rendue compte en parcourant le blog, Instagram ou encore ma newsletter, que je partageais bien moins mes peintures que ce que je pensais. Je ne vous en montre qu’une toute petite partie, seulement celles que je juge les plus réussies. Je me suis dit que pour une fois, vous montrer le processus d’apprentissage serait une bonne chose même s’il y a des ratés, ça fait partie de l’histoire. Je vais faire un focus sur les fleurs, c’est ce que j’ai le plus peint cette année (90%).

Je vous propose de reprendre mes peintures depuis – presque- le début, en mars 2015, de manière chronologique et vous expliquer ce que j’ai appris au fur et à mesure. Beaucoup d’images donc dans cet article, et bien sur, les grandes leçons de cette aventure colorée!

Le début de l’histoire: découverte du cours de Yao

Peu après avoir découvert le cours de Yao, je suis tout de suite devenue accro à peindre des fleurs, des tiges et des feuilles. Regarder les couleurs fusionner et prendre vie m’a fascinée. J’ai commencé par reproduire les exercices du cours et j’ai vite vu que c’était bien plus compliqué que ça en a l’air! Mon pinceau rond n’était pas trop adapté pour aller dans le détail (1) et mon énorme brosse non plus (5). Contrôler la quantité d’eau était très difficile, on voit sur (5) de très grosses fleurs tellement il y a d’eau.

J’ai vite cherché des feuilles et des pinceaux de meilleure qualité (voir mon article sur le choix du matériel à l’aquarelle, et le focus sur le papier), les (2) et (3) sont peints sur du papier Arches (je passe d’un extrême à l’autre :-p) qui pour le coup était trop difficile à maîtriser avec le peu d’expérience que j’avais. Doser l’eau et les pigments était complexe, je me suis donc contentée de recopier des exemples de Yao. Une peinture similaire à (3) (que je trouve super moche maintenant lol) m’a d’ailleurs permis de gagner un concours sur Instagram proposé par Creativebug, avec pour lot deux peintures de Yao! Trop cool! C’était encourageant, j’ai donc continué.

Ce que je retiens:

• Utiliser du matériel de qualité notamment pour les feuilles et les pinceaux
• Reproduire des peintures d’artistes que l’on apprécie pour commencer
• Oser partager

La complexité de la composition

Je me suis beaucoup entraînée pour essayer de comprendre les éléments des compositions de Yao. Des feuilles, des baies, des fleurs, des tiges (accessoirement, je n’y pense que rarement), des grappes… Mettre tout cela ensemble à constitué un défi pour moi, je dessinais chaque éléments très séparé des autres, et j’avais beaucoup de mal à comprendre quelles couleurs mettre ensemble.

Faire une fleur était en soi un défi. Yao utile beaucoup d’eau et y va “au feeling”. Elle ne va pas forcément dans le détail mais veut capturer un mouvement, une vie en utilisant une structure de fleur de base. Il  faut donc au préalable connaitre comment faire une pivoine, une rose, une anémone, etc. A cette époque, j’ai donc épinglé des tas et des tas de fleurs pour mieux les observer et ensuite mieux les peindre

Ce que je retiens:

• Composer une peinture avec des fleurs, feuilles et baies variées
• Observer de vraies fleurs pour apprendre à mieux les connaitre

A la recherche de meilleurs agencements

Dans cet ensemble de peintures, on peut voir que j’ai amélioré mes compositions. Je comprends mieux comment disposer les éléments mais j’ai encore beaucoup de difficultés à faire moi-même mes propres compositions.

Mis à part un nombre avancé de couronnes (j’adore les couronnes), j’ai essayé de faire mes premières compositions. J’avais compris qu’il fallait faire des fleurs “inspirées”, des feuilles et des petits points principalement. Les tiges je les oublie bien souvent. Les fleurs inspirées, cela veut dire qu’il ne faut pas trop s’attarder mais essayer avec l’eau et le mouvement du pinceau de capturer “the freshness of the flower”. J’ai fait beaucoup de tentatives, avec une seule couleurs ou plusieurs par fleurs.

Ce que je retiens:

• Faire ses propres essais apporte forcément quelque chose, mais si c’est trop tôt, il faut continuer à s’inspirer de tableaux qui marchent
• Avoir un coup de pinceau inspiré et “en confiance” pour capturer l’essence de la fleur

Trouver ma propre inspiration

Dans cette période, j’ai eu envie de me détacher des peintures de Yao pour de bon et de faire moi-même mes propres compositions. Bon c’était peut être encore un peu tôt mais il fallait tenter. C’est plus difficile mais également plus intéressant. J’ai essayé (beaucoup) les couronnes (16) (voir aussi (21), (22) et (23)). J’ai également essayé les bouquets (18) (j’ai vraiment un problème avec les tiges), je me suis également entraînée avec du fluide de masquage (17), (18). J’ai essayé de créer des effets mais ça ne m’a pas forcément convaincue: sur la peinture (19) j’ai tenté de créer de la texture avec du gros sel ! En (19) et (20), on voit mes essais pour faire de plus jolies fleurs, en continuant le travail des formes et des couleurs.

Comme vous le voyez, la taille du papier varie: j’ai osé acheter du papier de plus en plus grand et l’utiliser. Avant mon soucis c’était que je mettais une bonne demi heure à réfléchir à ce que j’allais faire pour ne pas gâcher de papier. Je faisais très peu dans le spontané et me détacher de cela a été libérateur.

Ce que je retiens:

• Explorer des techniques variées pour enrichir sa pratique
• Acheter du papier plus grand et l’utiliser plus

Recherches sur la luminosité et les nuances

A cette période, j’ai compris qu’il était important de laisser du blanc en bord de page pour mettre en avant la composition. J’aimais beaucoup créer des couronnes (plutôt facile à isoler des bords) mais je me sentais limitée dans l’exploration de la feuille. J’avais envie d’explorer davantage l’espace tout en gardant en tête d’aérer la composition #lessismore. Dans (25) et (26), on voit que j’ai évité de toucher trop les bords et que j’ai essayé d’équilibrer les fleurs, les feuilles (et que j’ai oublié les tiges). On voit également que les deux peintures se ressemblent beaucoup. En effet, j’ai compris que pour progresser (en tout cas personnellement), je devais réessayer quand le résultat ne correspondait pas assez à mes attentes. La deuxième version était toujours mieux.

Un des autres déclics fut d’oser utiliser les pigments. Je pense que lorsque l’on débute, il est particulièrement difficile de mettre beaucoup de peinture sur le pinceau. En tout cas, cela a clairement été une des choses les plus difficiles pour moi: oser mettre beaucoup de peinture mais savoir aussi rincer le pinceau juste après. Je voyais ça comme du gaspillage et cela me dérangeais, mais finalement, il faut admettre que ça m’a permis plus de spontanéité, et ma progression a pris un tournant le jour et j’ai arrêté de me stresser avec la quantité de peinture rincée trop vite. Finalement, on a de la chance, l’aquarelle est l’un des médiums qui s’use le plus lentement.

Dans la même optique, une autre recherche fut trouver la balance entre le clair avec beaucoup d’eau et le foncé avec beaucoup de pigments. Cela permet de donner plus de contraste à la peintures. Dans (25) et (26), on voit que j’ai essayé de créer des fleurs très lumineuses (avec beaucoup d’eau) en opposition à quelques feuilles très foncées et concentrées. Une autre remarque que je me suis faite avec ces peintures, c’est que je travaillais trop avec des blocs de couleurs et je ne mélangez pas assez les pigments. On voit clairement les couleurs brutes (rouge, vert, jaune principalement), je trouvais ça un peu trop “aplat de couleur”.

Ce que je retiens:

• Laisser du blanc autour de la composition pour la mettre en valeur
• Reproduire plusieurs fois une peinture pour l’améliorer (apprendre directement des erreurs)
• Gérer la quantité de pigment sur le pinceau: oser en mettre puis rincer !
• Equilibrer le sombre et le clair
• Eviter la couleur brute: tester des mélanges et des fusions (dégradés) de couleurs possibles avec l’aquarelle

Combiner les couleurs et donner des directions

Pour la suite, je me suis donc attelée à chercher des combinaisons de pigments et à donner des directions à mes compositions sans toucher le bord! J’ai essayé d’expérimenter mes couleurs ainsi que de nouvelles acquisitions. Pour ce faire, j’ai commencé par faire un nuancier et apprendre les noms des couleurs pour essayer de me rappeler mes mélanges préférés.

Pour m’inspirer, j’ai cherché des comptes Instagram de fleuristes. En effet, je ne copiais presque plus les peintures existantes à ce moment là. Je voulais donc des idées de fleurs, de feuilles et de combinaisons de couleurs. Vous pouvez voir mes comptes préférés ci-dessous (mon n°1 c’est Emili jolie, une fleuriste rennaise):

Ce que je retiens:

• Apprendre les noms des couleurs pour mieux retenir les combinaisons préférées
• Trouver l’inspiration sur Instagram (comptes de fleuristes notamment)

Explorer mieux ma palette et en avoir marre des feuilles identiques

Récemment, j’ai commencé à tourner en rond avec mes feuilles qui se ressemblent et mes couleurs toujours les mêmes. J’ai commencé à me lâcher (lol) et à mettre pleins de couleurs différentes: du jaune citron, du orange, des tas de bleus différents… Je trouvais aussi que mes fleurs se ressemblaient trop et que je ne variais pas assez. Pas simple de se remettre en question… Comme je ne voyais pas trop comment faire différemment, j’ai regardé de nouveau le cours de Yao (à cette période on est en février 2016) et j’ai cherché d’autres peintres grâce à Pinterest.

Ce que je retiens:

• Quand l’inspiration n’est plus là, reprendre les bases de l’apprentissage
• Chercher de nouvelles sources d’inspiration pour découvrir de nouvelles méthodes et rendus

Du blanc et chercher l’inspiration ailleurs

Ma recherche d’inspiration m’a poussée à découvrir de nouveaux artistes de fleurs à l’aquarelle.

J’ai par exemple découvert Helen Dealtry

Elise Morris (à gauche) et Kiana Mosley à droite (dont je me suis inspirée pour les peintures (36), (37) et (38)):

Craquer et laisser mon cerveau 100% libre!

A un moment,j’ai eu envie de me libérer de tout ce que j’avais pu voir jusqu’à présent et m’ex-pri-mer. J’avais l’impression de ne pas avoir d’inspiration propre. Alors j’ai un craquée, je suis partie dans tous les sens avec les couleurs qui me chantaient, sans trop réfléchir… J’ai mis du MARRON (lol) (voir (40)), du gris, j’ai peint hyper vite (41, 42, 44), j’ai peint des branches (43)… Toujours en évitant le bord bien sur 🙂

Bon vous vous doutez que le bilan est moyen convaincant (pour moi) mais ça a eu le mérite de me défouler. Je me suis dit: partir en délire oui, faire n’importe quoi non. Ce lâchage m’a quand même enseigné que peindre vite permet aux couleurs des fleurs et des feuilles de parfois ce mélanger et ça peut faire des résultats heureux, cf le mix ci-dessous:

Ce que je retiens:

• Laisser faire son cerveau sans culpabiliser ça fait du bien
• Peindre vite permet aux pigments de mieux se mélanger et donne des mélanges heureux
• Un peu de structure et d’anticipation est nécessaire (selon moi) pour avoir un résultat un minimum recherché et pas un “pâté”

Utiliser plus d’eau et découvrir mes alliances de couleurs préférées

En regardant de plus près mon petit défouloir, j’ai réalisé que contrairement au début, j’utilisais vraiment beaucoup de pigments. Mes peintures étaient très chargées en couleurs et peu transparentes, le graal de l’aquarelle tout de même. J’ai donc essayé de peindre avec plus d’eau.
J’aime bien ce rendu ainsi que les couleurs que j’ai utilisé. J’ai crée à ce moment là un cahier dédié à mes essais à l’aquarelle car j’avais du mal à retenir tout ce que j’apprenais au fur et à mesure. Dans ce cahier, j’écris mes combinaisons de couleurs préférées, mes tests, je colle des photos de bouquets, etc. J’en parlerais dans un autre article.

Ce que je retiens:

• Peindre avec plus d’eau pour obtenir une meilleure transparence
• Créer un cahier pour garder une trace des essais et pouvoir y revenir plus facilement

Chercher des compositions et des équilibres qui marchent

Voici mes derniers essais, qui datent de moins d’une semaine. En ce moment, je cherche des compositions qui marchent autant sur le plan des fleurs choisies, des couleurs et des formes (boule, S, 8, X, L, ,  couronne). J’ai tendance à faire généralement un gros paquet au milieu qui m’a pas forcément de forme/ sens (ça se rapproche d’une boule) pourtant j’ai remarqué que j’aimais bien la composition en . En dessous, vous pouvez voir un exemple de , une de mes aquarelles préférées depuis que j’ai commencé. Je l’ai offerte dans le cadre d’un concours/questionnaire au début de l’année :).

Ma dernière peinture, c’est la (51), je me rapproche de ce qui me plait dans mes sources d’inspiration avec des clairs, des foncés, des belles couleurs, un bord blanc. Il manque encore du travail sur les fleurs qui manquent selon moi de détails et de définition et sur la forme globale. Là pour l’instant ça fait encore trop paquet.

L’aquarelle que j’ai proposée dans le cadre d’un concours pour le blog

Conclusion

Voilà pour cette rétrospective de mon année d’aquarelles fleuries! J’espère que cette visite vous aura intéressé et que vous aurez mieux compris mon approche 🙂 Je trouve que cet exercice est vraiment utile à titre personnel pour évaluer le chemin parcouru et comprendre comment s’améliorer en évitant de répéter les mêmes erreurs. A mon avis, il est bon de le faire pour toute discipline créative. On dit par exemple, qu’il est bon de se filmer quand on danse, de revoir ses vieilles photos, pourquoi pas également ses anciennes créations (couture, bijoux, etc).

Quand je revois ces fleurs je me dis que j’ai bien progressé, puisque maintenant mes élèves arrivent à en faire des encore plus jolies avec mon cours Fantastiques Fleurs.

N’hésitez pas à me donner votre avis sur tout ça dans les commentaires !

A bientôt!

Marie