Comment passer d’amateur à artiste pro en 5 étapes ?

Pour qu’une marque, une entreprise ou un particulier vous sollicite pour une mission, vous devez lui inspirer confiance. Comment faire si vous n’avez pas (encore) de référence à montrer ?

Vous savez que vous êtes capable de réaliser un projet pour ce client. Comment faire pour qu’il vous reconnaisse comme un artiste professionnel compétent ?

Nous vous livrons dans cet article nos 5 conseils pour donner une image sérieuse et fiable de votre travail. 5 astuces 100% concrètes et 0% syndrôme de l’imposteur.

Allons-y ! ⤵️

1. Clarifier son projet

L’objectif, c’est que la personne à qui vous vous adressez, que ça soit un client potentiel, un partenaire, une connaissance… comprenne ce que vous faites de manière claire. Et si on veut que cette personne aie une image claire de votre projet, la première étape c’est bien d’avoir une vision claire vous-même.

C’est d’ailleurs une différence entre un amateur et un professionnel, dans l’art et d’autres disciplines. L’amateur papillonne au gré de ses envies, n’a pas d’objectif long-terme. Alors que le professionnel a un projet, une vision, un objectif.

Comment savoir si mon projet est clair ? Il suffit de réussir à le définir en quelques phrases.

“Ce que l’on conçoit bien s’énonce clairement,
Et les mots pour le dire arrivent aisément”

disait Nicolas Boileau.

Par exemple il est beaucoup plus facile de savoir où vous allez, pour vous-même et pour les gens intéressés par votre art, quand vous vous présentez comme :
”Je réalise des séries de paysages de ma région selon les saisons, en mélangeant la photographie et la peinture” plutôt que “Je fais des photos quand je me promène, parfois j’en fais des peintures, mais je ne peins pas que ça, ça m’arrive de faire des portraits quand on me le demande, et l’hiver je fais aussi de la broderie…”

Bien sûr, ce n’est pas parce qu’on se considère comme pro avec un projet bien défini, qu’on est obligé de s’enfermer dans cette direction pour toute sa carrière, bien au contraire. Il faut continuer d’explorer à côté de sa direction, pour se reposer, pour nourrir son inspiration également. Par exemple Picasso est très connu pour ses tableaux cubiques, mais auparavant il avait une période “bleue”, puis une période “rose”, avant d’aller vers le cubisme puis le surréalisme.

L’astuce de Marie pour avoir un projet clair : se donner un titre. Quelques idées : artiste, illustratrice, fondatrice, enseignante, créatrice…

2. Savoir présenter son art et son processus créatif à l’oral et à l’écrit

Si avoir un projet clair est un pré-requis pour donner une image professionnelle de soi et de son travail, le point le plus important – et de loin – est de savoir mettre en valeur son art. Il s’agit d’en parler de manière convaincante, de défendre ce que l’on fait dans un pitch (réel ou fictif). Que ce soit à l’oral lors d’une exposition, dans un email à un acheteur potentiel, ou dans une publication sur Instagram, la capacité à mettre en valeur son travail est ce qui fait la différence.

Pour Marie, c’est ce qui a convaincu ses maisons d’édition. Ses présentations valorisantes, articles de blog et newsletters de qualité ont montré une image professionnelle et fiable de son travail. Cela lui a permis d’avoir ses premiers contrats.

Nos conseils pour bien se présenter

• Mettez l’accent sur les bénéfices pour le spectateur :
  Plutôt que de vous concentrer uniquement sur les caractéristiques techniques de votre art, réfléchissez à ce qu’il apporte aux spectateurs. Quelles émotions votre art provoque-t-il ? Est-ce qu’il suscite la réflexion sur des sujets importants, ou crée une atmosphère chaleureuse et réconfortante ? Présenter ainsi votre travail le rendra plus engageant.
• Adaptez votre présentation à votre public cible :
  Chaque client potentiel a des intérêts et des besoins différents. On ne s’adresse pas de la même manière à un collectionneur d’art, une galerie, un partenaire potentiel, une marque ou un particulier.
• Adaptez votre présentation à son support :
  Le ton, le style et la longueur sont à ajuster en fonction du type de présentation. On doit être plus court et percutant à l’oral alors qu’à l’écrit on peut donner plus de détails et d’anecdotes (par exemple dans une page “à propos”). Soyez toujours clairs et concis et respectez votre art.
• Soyez authentique :
  Exprimez votre enthousiasme, racontez des anecdotes personnelles liées à vos créations, et partagez ce qui vous inspire. Cela vous aidera à établir un lien plus fort avec votre public.
• Pratiquez votre pitch (pour les présentations à l’oral) :
  Répétez votre pitch à des personnes de votre entourage dont vous n’avez pas peur du jugement. Cela vous aidera à affiner vos mots et à gagner en confiance. Prenez en compte les retours pour adopter une posture assurée et respectueuse de votre travail.

Zoom : préparer un elevator pitch

L’elevator pitch est un argumentaire express dans lequel on présente et on met en valeur son projet en quelques secondes, comme si on devait le faire lors d’une rencontre fortuite dans un ascenseur (elevator).

Cet exercice oblige à être succinct et percutant. On évite ainsi de se perdre dans des explications interminables qui pourraient donner l’impression de manquer de clarté.

Exemple d’elevator pitchs :

• “Je rédige un livre sur le croquis urbain à l’aquarelle. Il permettra de ramener des souvenirs de voyages, quelque soit son niveau de pratique. Je projette de le publier en auto-édition.”
• “Je suis illustratrice jeunesse. J’ai le projet de travailler avec des maisons d’édition sur des publications de livres pour enfants”.

3. Publier des visuels professionnels

L’étape suivante pour donner une image professionnelle est de miser sur la qualité de vos visuels. Des photos sombres où votre art n’est pas mis en valeur ne va pas faire envie. Si vous voulez que vos futurs clients voient la qualité de votre travail, montrez un travail de qualité.

Quand Marie a commencé avec son blog sur l’aquarelle, il y a maintenant 10 ans, elle tenait à montrer un travail de qualité. Elle a travaillé ses visuels. Elle a appris à photographier son art et à le numériser. C’est de cette façon qu’elle s’est faite remarquer par une maison d’édition. Dans le premier message que lui a envoyé son actuel éditeur, la personne expliquait combien elle avait apprécié ses photos.

Vous n’avez aucun matériel photo et encore moins de goût pour la mise en scène ? Pas de problème ! Quelques compétences clés vous permettront d’inspirer confiance.

Prendre en photo son art : la lumière d’abord

S’il y a une seule chose à laquelle faire attention pour avoir des photos de qualité, c’est la lumière. Pas la peine d’avoir un appareil photo reflex dernier cri ou un studio photo dans votre bureau.

Exit les photos la nuit (même en fin de journée, lorsque le soleil a déjà trop baissé) ou sous les lumières du plafond. Vraiment, pour des photos de qualité mettant en avant votre art, bannissez les photos sous la lumière de vos plafonniers.

À faire :

• Placer votre art à côté d’une fenêtre
• Sans lumière directe
• Sur un fond neutre (oubliez votre nappe préférée, du parquet ou l’effet bois de votre bureau seront parfait)
• Positionnez-vous suffisamment près de votre art

Vous pouvez réussir de magnifiques photos avec ces quelques conseils, même avec un simple smartphone.

Apprenez à numériser votre art

À part si vous ne vendez que des originaux, il est plus que probable que vous aurez besoin de copies numériques de votre art. Et encore, quand on vend un original, il est important de pouvoir le présenter de façon fidèle sur Internet et pour cela la numérisation est clé.

Avant même d’avoir signé votre premier contrat, nous vous conseillons de vous former sur la numérisation. En plus de vous permettre de répondre à un plus grand panel de clients, vous pourrez tirer profit de cette compétence pour mettre en avant votre art.

Vous pourrez par exemple publier des visuels de vos créations détourées, c’est-à-dire sans fond/sans papier, juste votre création, mise à l’honneur. Vous pourrez aussi utiliser votre création pour la mettre en scène, avec des mockups.
Si vous souhaitez apprendre à numériser votre art, vous aurez toutes les infos dans notre cours Destination Digital.

Utilisez des mockups

Un mockup se traduit par maquette en français. Concrètement, il s’agit de mettre en scène votre création dans un contexte qui représente son usage. Le tout, à l’aide d’un fichier tout prêt. Quelques exemples pour rendre cela plus parlant :

• Imaginez un beau salon, moderne et épuré, un tableau au mur au dessus du canapé : vous pouvez insérer votre art dans ce tableau.
• Imaginez un tote bag porté à l’épaule d’une femme sur la plage : vous pouvez insérer votre art sur ce tote bag.
• Imaginez un joli mug de thé sur une table dans une cuisine réconfortante : vous pouvez insérer votre art sur ce mug.

Vous avez l’idée ! Les mockups permettent de mettre en scène des créations dans des décors réels, sans avoir à faire les photos de ces décors.

Cette technique a plusieurs avantages :

• Elle est valorisante pour votre travail, les visuels de mockups sont de qualité.
• C’est beaucoup plus rapide que de faire créer le produit et photographier soi-même la scène.
• Une même scène est réutilisable.
• Cela permet à un potentiel client de se projeter et de visualiser concrètement votre art dans sa fonction finale.

Vous trouverez de nombreux mockups avec des droits d’utilisation à des fins professionnelles sur les sites de banque d’image tels que Creative Market.

Si vous voulez aller plus loin sur ces trois sujets, vous pouvez consulter notre guide complet pour mettre en valeur ses créations.

4. Avoir une présence en ligne professionnelle

Pour présenter son travail et inspirer confiance, avoir une présence en ligne est un élément indispensable. Cela peut être très simple. Mais ça marque le début d’une image professionnelle. Commencer une page Instagram ou un site internet simple. Ça peut aussi être un profil sur une galerie en ligne.

Si vous êtes une artiste, vous avez sans doute déjà un compte Instagram où vous partagez votre art. Considérez dès maintenant ce compte comme un véritable portfolio.
Ça ne veut pas dire avoir un logo ou une identité visuelle forte (opter pour votre nom au début). Cela veut dire de se mettre à la place d’un client potentiel et de se demander ce qu’il voudrait trouver sur la page d’un futur prestataire.

Imaginez un potentiel client qui tombe sur votre compte et voit une photo de vos créations, puis une photo de votre chat, puis une photo de vos vacances en famille, puis une photo de votre matériel, puis une autre photo de votre chat… la personne ne va pas se dire que vous êtes disponible pour répondre à des commandes.

Pas la peine d’avoir des centaines de créations ou des milliers d’abonnées, quelques astuces très simples vont tout de suite donner une image professionnelle à votre compte.

Optimisez le texte de votre description

Rédigez votre description de profil en expliquant ce que vous proposez sur votre compte comme vous l’expliqueriez à un ami. Décrivez votre art, son type (tableaux, illustrations, motifs…), le medium ainsi que quelques mots qui décrivent votre style (vos créations sont-elles réconfortantes, joyeuses, oniriques, colorées…?). Là encore, la simplicité est le mieux.

Ajoutez une façon de vous contacter

Enfin, pour qu’un potentiel client n’ait aucun doute sur le fait qu’il puisse vous adresser une demande, prévoyez un moyen de vous contacter.
Cela peut-être :

• Via les messages directs, par exemple “Commandes personnalisées en DM”.
• Via une adresse email : “Pour toute demande : votre email”.
• Via un formulaire de contact. Dans ce cas, mettez le lien vers celui-ci.

Si vous souhaitez continuer de publier des photos personnelles, vous pouvez ouvrir un nouveau compte ou les partager en story.

Retrouvez 98 conseils pour améliorer votre compte Instagram de créateur sur notre article dédié.

Bien entendu, si on met en place tout cela mais qu’on dévalorise notre art et notre activité (voir le point 2), ça ne sert à rien.

5. Travailler son art

Au plus vous travaillerez votre art, au plus vous affinerez vos goûts et votre style. C’est avant tout votre art en lui-même qui va plaire à votre audience ou à une marque.

Travailler son art, c’est ce que l’on fait en général en école d’art. Et c’est ça qui distingue un amateur d’une personne qui sort d’une école d’art. L’amateur a moins eu le temps d’explorer son art et de se faire une culture qui va le nourrir.

Pour travailler son art, nous vous conseillons de mettre en place une pratique régulière (si vous pensez que le temps vous manque pour cela, rendez-vous sur notre article devenir artiste professionnel sans risque). Cela veut dire :

• Travailler le volume, réalisez des séries. Un artiste qui se lance et qui produit une création par an, ça ne donne pas une image professionnelle. Vous pouvez vous fixer des objectifs, par exemple faire 30 œuvres sur un thème, faire une série de 12 éléments en 1 mois…
• Explorer différents médiums.
• Tester d’autres thèmes et univers (sans rester bloqué à cette étape ! Il s’agit de gagner en créativité, pas d’attendre d’avoir tout testé avant de se lancer).
• Analyser des références et le travail d’autres artistes.

Dans tous les cas, savoir se présenter (étape 2) reste indispensable. Si on a un art super travaillé après 12 ans d’exploration mais qu’on en parle mal, ça ne fonctionnera pas. C’est pour cela que nous notons ce point en dernier.

Je me sens pro, quelles sont les prochaines étapes ?

Vous avez dépassé toutes les étapes de cet article, vous avez une image pro de vous-même et vous renvoyez une image professionnelle de votre travail ?

Vous avez tout ce qu’il vous faut pour commencer à trouver des clients. C’est peut-être le moment de commencer à démarcher.

Ou peut-être avez-vous déjà des sollicitations ? Quand vous décrocherez votre premier contrat, vous pourrez déclarer votre statut.